La Música hasta la Segunda 

Guerra Mundial

A partir de la ruptura que supuso el Impresionismo, el panorama artístico europeo, lo mismo en Arte que en Música va a cambiar enormemente; la diferencia se puede resumir en un término que usan los historiadores, la disgregación del fenómeno artístico; es decir, si hasta ahora teníamos grandes períodos como el Barroco o el Romanticismo en los que se integraban todos los artistas de todas las artes, en adelante no va a haber un movimiento que los integre a todos, sino que van a surgir varios al mismo tiempo y que por otra parte se suceden con rapidez. Si examinamos el campo del arte plástico tenemos que hasta 1940 surgen nada menos que las siguientes tendencias: Postimpresionismo, Simbolismo, Modernismo, Expresionismo, Fovismo, Nabis, Cubismo, Futurismo, Dada, Subrrealismo y Arte Abstracto y con ellos no citamos más que algunos de los surgidos. En el campo de la música sucede algo muy parecido, diríamos que cada gran músico tiende a crear su arte independiente, además los diversos estilos se irán sucediendo con gran rapidez y eso dificulta enormemente el estudio de la época. Por otra parte ya no es posible establecer el paralelismo entre música y arte con la seguridad con que lo hemos hecho hasta ahora, habrá veces en que esto no suceda y lo haremos, pero otras veces no. Otras características generales a tener en cuenta son que la música deja de ser un fenómeno que se da en ciertas naciones y se internacionaliza, los compositores dejan de lado el carácter nacionalista para hacer un arte universal. Los herederos del pasado Mientras el Impresionismo estaba comenzando se debatían con plena fuerza los últimos reductos de una música ligada al Romanticismo, conocida también como; tal es el caso del sinfonista Gustav Mahler (1860-1911). Hombre enormemente pesimista que intuyó la catástrofe a donde se dirigía Europa, su música está llena de un fuerte expresionismo y romanticismo al mismo tiempo; su lenguaje musical se llenará de elementos para expresar toda su preocupación (EXPRESIONISMO ALEMÁN), así, dentro de las nueve sinfonías que compone en la Segunda, Tercera y Octava usará coros y solistas, lo mismo hace en sus Lieder La canción de la Tierra, tal como hemos visto, incorporando a una gran orquesta y creando como en las sinfonías un lenguaje gigantesco. Sin duda, el lenguaje opuesto al de Mahler es el optimista de Richard Strauss (1864-1949), que vivirá en una tradición romántica aprovechándose de las adquisiciones de Wagner y Brahms; Strauss sigue produciendo una serie de obras de cuño postromántico (POSTROMANTICISMO), cuando toda Europa estaba lanzada a nuevos inventos, compone así Muerte y transfiguración, Así habló Zaratustra y otras que ya hemos citado al hablar de la música programática romántica, a ello hay que añadir óperas como Salomé, Electra y El caballero de la rosa. Dentro de estos hombres que permanecen música ligada al pasado, durante bastante tiempo, está el alemán Max Reger. Sus obras se estrenarán en la misma época que las impresionistas o aún con posterioridad como el caso de Strauss. En la primera mitad del siglo XX, coincidiendo con el Impresionismo, el postromanticismo, y los nacionalismos tardíos surgen dos músicos que van a implantar una serie de innovaciones esenciales que van a llevar el lenguaje musical a un cambio absoluto: Stravinsky y Shoenberg. Igor Stravinsky (1882-1973), ha sido considerado como un gran artesano que investigó en todos los aspectos de la música haciéndola evolucionar en el ritmo, la instrumentación y sonido. En 1913 estrenó en París La Consagración de la Primavera, con ritmos irregulares, causando un gran escándalo entre el público parisino. Esta obra representa la culminación de un período en el que exploró el folklore de su país, Rusia, y en el que compuso obras como El Pájaro de fuego, o Petruchka.. Inmediatamente pasará al periodo conocido como Neoclásico y al final de su vida adopta el dodecafonismo, con obras como Canticum Sacrum. Arnold Schönberg (1885-1951), fue discípulo de Mahler, comenzando en la línea postromántica con su obra Gurrelieder, pero evolucionará creando un lenguaje totalmente nuevo. Su segunda línea de creación será el expresionismo, hasta llegar al atonalismo con obras como Pierrot Lunaire, en la que la voz realiza una especie de recitado hablado. Pero del atonalismo pasó a lo que él llamó "composición de doce sonidos sin relación entre ellos", que es lo que conocemos con el nombre de "dodecafonismo" o "música serial". Esto consiste en componer una música partiendo de 12 sonidos, sacados de la escala cromática, y colocarlos en una serie. En torno a Schönberg y sus discípulos Berg y Webern se crea la "Escuela de Viena", en la que se sigue el sistema dodecafónico más rígido y puro. Rusia Las nuevas tendencias van representadas por Kachaturian con el ballet Gayaneh y Sergei Prokofiev, autor de Pedro y el lobo. Italia. El futurismo Al tiempo que se sucedía los cambios del dodecafonismo, en Italia se incorpora un nuevo mundo sonoro: el ruido. Es un movimiento literario-artístico y musical en el que se exaltaba la máquina como punto de partida de una nueva civilización. Russolo y Pratella son los primeros que crean esta nueva música y en 1913 dan el primer concierto con obras como: Reunión de automóviles, y El despertar de la ciudad. Francia. El grupo de Los Seis Los músicos franceses reaccionan ante el Impresionismo, formando el llamado "Grupo de los Seis", encabezado por Erick Satie. Su música está relacionada con el surrealismo. Algunas obras de Satie son: Arias para char a correr, Tres piezas en forma de pera. Alemania. La música utilitaria En Alemania se reacciona contra todos estos grupos anteriores y contra todas las innovaciones. Por eso, llamarán a su música "Música Utilitaria", porque pretenden utilizar un lenguaje que entendiese el pueblo y que fuese "usable". Surgen así Paul Hindemith (1895-1963) con obras como Matías el pintor, y Carl Orff con una música de carácter pedagógico y rica rítmicamente, como e ve en su Carmina Burana y Catulli Carmina.

Estados Unidos Va cobrando protagonismo internacional, entre tras razones porque muchos compositores europeos emigran tras la 1ª Guerra Mundial. Charles Ives (1874-1954) es el primer músico que va a desarrollar una actividad musical e gran originalidad, sobre todo rítmica. Henry Cowell, creador de los "clusters", técnica que consiste en unir una serie e notas próximas con lo que surge un auténtico ruido, además no le da movimiento a su música, por lo que parece algo estático. Edgar Varesse, francés pero que vivió a mayor parte de su vida en EEUU, fue el primero en escribir una obra exclusiva para percusionistas: Ionitation. España. La Generación del 27 En España sigue vigente muchos años el nacionalismo, pero surge un grupo de músicos que en 1927 comienzan a producir sus obras más importantes, como: los hermanos Halffter, Bacarisse, Joaquín Rodrigo, Montsalvatge, etc. Esta generación estará marcada por la Guerra Civil, que no sólo los va a desperdigar sino que los va a aislar impidiendo que conozcan los nuevos inventos que se estaban produciendo en Europa, por lo que seguirán componiendo una música bastante tradicional. 

La Música desde 1940 hasta Nuestros Días

Después de la 1ª Guerra Mundial se da un gran cambio en el mundo, que quedó destrozado por esta gran conflagración; hacen su aparición nuevos medios de expresión derivados el progreso científico, se perfecciona enormemente la electrónica, los inventos se suceden con gran rapidez, esto trae consecuencias inmediatas para las artes, que van a participar de esa movilidad y cambio. Lo que decíamos en el periodo anterior, es perfectamente verdadero aquí, es decir, surgen una serie de movimientos y cada artista trata de crear su lenguaje específico, lo que hace enormemente difícil que podamos ver movimientos generales, válidos para todos los países. Un hecho sustancial es el empleo de la electrónica en la música, la televisión, el cine, el magnetófono, el tocadiscos, van a dejar sus huellas definitivas en el arte musical; así los dos primeros movimientos que podemos señalar están marcados por la electrónica y son la Música concreta y la Música electrónica. La música concreta Es la producida partiendo de sonidos existentes en el mundo, es decir, por cualquier objeto. Parte del ruido como el Futurismo. Se llama concreta porque según Schaeffer, su inventor, está producida por objetos concretos (cualquier objeto) y no por los abstractos que serían los instrumentos tradicionales, como el violín, órgano, etc. Ahora debemos comprender perfectamente el sistema de que se vale el compositor para elaborar esta música. Una vez recogidos los sonidos del mundo real, en cintas magnetofónicas, los elabora radiofónicamente cambiándolos de velocidad, sobreponiendo grabaciones, poniendolas al revés, aumentándole intensidades, etc, etc, es decir, con todo tipo de trucos, de tal forma que se desnaturalicen y no sean como dice Prieberg "ni un recuerdo de lo que fueron. Es como una música de laboratorio. El compositor mira a cada sonido del mundo como un ente con vida independiente y trata de formar con miles de sonidos un mundo sonoro nuevo, desaparecen así los intérpretes en la música, ésta queda grabada en una cinta magnetofónica y a partir de aquí se servirá al público. El primer concierto tuvo lugar en la Radiodifusión Francesa, en 1948 con estas obras: Estudio sobre locomotoras, Estudio sobre cazuelas. Inmediatamente van a surgir los dos grandes compositores de esta música Pierre Schaeffer (1910) y Pierre Henry (1972) con obras como Sinfonía para un hombre solo, Orfeo o Sinfonía para una puerta y un suspiro. La música concreta crea un mundo totalmente surrealista, como de ensueño y desde luego hay que verla como un fruto de la Segunda Guerra Mundial, que había dejado a Europa realmente deshecha; esto hace que el mundo parezca algo sin sentido y que artísticamente se cree un lenguaje sonoro que participe de estas características de lo absurdo. La música electrónica Es aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente, por tanto la diferencia con la concreta es clara; en ésta el sonido son ruidos naturales que se elaboran electrónicamente, en la electrónica, el propio sonido de que se parte es producido por sintetizadores o aparatos electrónicos. El punto de partida de esta música es lo que se llama tono sinusoidal, es decir, el sonido puro, sin armónicos que es físicamente desagradable y que hay que elaborar con aparatos muy complilcados. La diferencia con la música concreta es pues clara y grande. La música electrónica como la concreta se elabora en el laboratorio. El primer concierto tendrá lugar en Darmstadt en 1951 y en él intervienen el doctor Herbert Eimer y Meyer-Eppler. Va a surgir un músico de gran importancia, el judío-alemán Karl Stockhausen (1928) que compone en 1953 el Estudio I y otras muchas obras como Estudio II, Canto de los adolescentes y Telemúsica, entre otras. Eimert compondrá su Glockenspiel. Otro compositor atraído por esta técnica es Ernst Krenec (1900) que compone el Oratorio de Pentecostés Spiritus intelligentiae Sanctus. Pronto se van a mezclar la música concreta y la electrónica, produciendo lo que se ha llamado Música electroacústica. En esta técnica van a componer casi todos los autores reseñados, dado que al unir ambos sistemas se aumentan las posibilidades de creación. Se destacan así el italiano Luciano Berio con Mutazioni y Bruno Maderna con Notturno, además de una serie de compositores japoneses importantes como Moroi, Mayuzumi, etc. Dentro de este mundo de la electrónica van a surgir también la Música de computador en la que destacan los norteamericanos Illiac y Hiller y el francés Pierre Barbaud (1911) o Música cibernética. Evidentemente todas estas variadas opciones de la música electrónica, hay que entenderlas dentro de la historia de la cultura como un fruto de la sociedad superindustrializada que nos ha tocado vivir. Igualmente, conviene tener en cuenta que esta música no surgió de repente, sino que durante gran parte de este siglo fueron apareciendo toda una serie de instrumentos electrónicos como el Dinamófono, el Esferófono, las Ondas Martenot y el Trautonio, que prepararán el camino de la música electrónica. El serialismo integral o el ultrarracionalismo Al mismo tiempo que surgían las revoluciones de la música concreta y electrónica y por lo tanto desde la década de los cuarenta, otra serie de músicos estaban encontrando otras formas totalmente nuevas de hacer música y diferentes de las anteriores que conocemos con el nombre de Serialismo Integral. Entendemos por éste, una forma de componer, según el sistema dodecafónico, pero aplicado a todos los elementos sonoros: ritmo, timbres, intensidades, etc., por lo que surge una música totalmente organizada. El nombre de serial le viene pues de su contacto con la música dodecafónica que también llamábamos serial. El compositor que va a sacar más provecho a esta música va a ser el francés Oliver Messiaen (1908). Este autor hará unos estudios complicadísimos sobre ritmos, partiendo del estudio del canto de los pájaros y lo mismo de las innumerables riquezas rítmicas de la música de la India. Su primera música totalmente organizada será Modos de valor e intensidad, de 1949, inmediatamente surgen otras como Turangalila y Pájaros exóticos. Es igualmente importante la revolución que lleva a la música para órgano, incorporando este mismo lenguaje con obras como El Banquete celeste, Aparación de la Iglesia eterna, y otras. En esta misma técnica sobresalen otros autores geniales como el francés Pierre Boulez, con obras como El martillo sin dueño, Pli selon Pli; el alemán ya citado Stockhausen con Kontrapunkte y los italianos Luciano Berio con Serenata, Bruno Maderna con Música sue due dimensione y Luigi Nono con Il canto sospeso. Otros músicos no se integran totalmente al sistema, aunque se mueven en premisas muy parecidas, trabajando en un dodecafonismo o serialismo especial, así Luigi dalla Piccola, con obras como Cantos de prisión o El prisionero; en el mismo caso está Goffredo Petrassi. La música aleatoria o el antirracionalismo Es una forma de componer música, que surge como una reacción contra lo anterior, que era una música "totalmente organizada". Esta reacción se produce en la década de los sesenta, con este nuevo sistema que llamamos música aleatoria, que es aquella en que el autor no escribe totalmente la música que hay que tocar, sino que los músicos en el momento de ejecutarla tienen que inventar cosas nuevas, completando la partitura; en este sentido, efectivamente, esta música no está "totalmente organizada" y tiene un claro carácter antirracionalista y depende un poco del azar. Precisamente el nombre de aleatoria, viene de la palabra latina "alea", que significa dados, haciendo alusión a que en ella, parte de la música se compone al azar, es decir, según lo que en aquel momento le salga al intérprete. Este tipo de música tiene un paralelo claro con el arte que llamamos cinético, un ejemplo del cual transmitimos en esa obra de Calder, Mobile, que es un tipo de escultura que va surgiendo según se van moviendo las diversas partes de que consta, que son elementos móviles. La música estocástica Surge también como reacción al serialismo integral y es una forma de componer basada en el uso del ordenador y de la estadística a la hora e realizar la obra sonora. El gran cerebro de esta música es el griego Yannis Xenakis (1922), que trabajará doce años con el arquitecto Le Corbousier y estudia música con Messiaen. En Metástasis, de 1953, empieza a aplicar la teoría de la probabilidad matemática y surgen obras como Pithoprakta y Achorripsis y más tarde ST/10-1, 080262 y Eonta. Otro músico importante en esta línea es el húngaro Gyorgy Ligeti, con obras como Apariciones, Artikulación, Atmósferas, Réquiem. Se mueven también en este sistema Pousseur, Bussotti y el argentino Kagel. Esta música también tiene su paralelo en el arte cibernético, que emplea los mismos medios para producir las obras plásticas. En busca de lenguajes personales Después de todas estas experiencias, la tendencia de los músicos más recientes es la búsqueda de un lenguaje propio, para expresar sus experiencias y concepciones, por lo que es sumamente difícil dentro de la música actual aventurarse a hacer divisiones concretas. Ha surgido una escuela en Polonia con mucha fuerza en la que destacan Witold Lutoslawski y Kriystof Penderecki; son famosas las obras del primero tituladas Música fúnebre, sus Tres poemas de Henry Michaux y sobre todo en El gran combate. Krystof Penderecki (1933) surge como un músico comprometido políticamente en contra del régimen comunista de su país, con obras como A las víctimas de Hiroshima. Penderecki tiene una tendencia a la religiosidad, y en esta línea va a componer toda una serie de obras como el Stabat Mater y sobre todo la famosa Pasión según San Lucas, de una importancia trascendental, estrenada en 1963. Otros autores de esta escuela importantes son Klazimiers Serocki y Mycielski. En Italia se ha dado una transformación en una serie de músicos como Luigi Nono que se convierte en un músico comprometido políticamente con las izquierdas, con obras como La fábrica iluminada, otras obras importantes son Canciones a Guiomar sobre textos de Antonio Machado, lo mismo sucede a Luciano Berio con nuevas obras como Laberinto o Sinfonía. España. La generación de 1951 La llamada generación del 51 va a conseguir que nuestra patria se incorpore a Europa. Así, las ideas que circulaban por Europa, van a tener una respuesta inmediata, provocada por una mayor libertad intelectual y artística y unos fuertes contactos con el continente. Esto hace surgir en España esta generación de gran valor y que crea un lenguaje propio y desde luego a la altura del europeo. Dentro de esta generación se destacan Cristóbal Halffter con obras como Microformas, Anillos, Réquiem por la libertad imaginada. Luis de Pablo con Módulos We y Soledad interrumpida. Carmelo Bernaola con Heterofonías, Relatividades y Superficies y Ramón Barce con un lenguaje muy personal y obras como Obertura Fonética, Canadá Trío. Estos cuatro músicos constituyen el área castellana. En Cataluña surgen Mestres-Quadreny con Suite Bufa, Benguerel con Arbor, Destructio, José Soler con Edipo y Yocasta y Pasión de Nuestro Señor Jesucristo y Juan Guinjoan con Magma, Ab Origine. Después de esta generación surgen una serie de músicos más jóvenes pero de igual importancia, como Tomás Marco, Francisco Cano y Carlos Guinovart. Después de esta generación y sin duda apoyándose en ellos surgen un gran número de músicos más jóvenes y como los de la generación del 51, aún en plena producción, entre los que se puede destacar a Tomás Marco con obras como Aura, Rosa-Rosae, Escorial o Autodafe; el vasco Anton Larauri con Espatadantza y otros muchos como Francisco Cano, Carlos Guinovart, Jesús Villa Rojo, etc. Por último, sólo queda nombrar un tipo de música que ha calado muy hondo a lo largo de las últimas décadas del siglo XX, se trata de la música pop, cuya principal consecuencia son las corrientes estéticas y pseudoestéticas que el rock ha promovido, especialmente, entre los jóvenes. Se caracterizan por encabezar fuertes movimientos sociales y por un enorme apoyo de los medios de comunicación. Una vez comentadas las tendencias más generales, es importante decir que este esquema es muy global, ya que cada país tiene su propia evolución. Estar al día de las últimas corrientes es muy difícil por la complejidad de los presupuestos estéticos y por lo rápidas y pasajeras que resultan algunas. Un buen punto de referencia son los cursos de Darmstadt, en Alemania, en donde jóvenes de todo el mundo, compositores, se reúnen cada 2 años para mostrar sus innovaciones e inquietudes.

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